Existe cierta confusión entre los conceptos moderno versus contemporáneo como modismos de diseño. En sentido estricto, las palabras pueden tener el mismo significado, dependiendo del contexto, pero al referirse a la arquitectura y el diseño, pueden adoptar otras connotaciones.
El modernismo realmente se refiere a un período de diseño que comenzó con el Movimiento de Artes y Oficios de 1875 y evolucionó a través de varias épocas hasta que terminó con Post-Modernismo de principios de 1980.
En cambio, ‘Contemporáneo’ significa “del mismo período o en la actualidad” y por definición, significa siempre evolucionando y cambiando en vez de fijarse en un conjunto específico de características o valores estéticos. Lo que hoy es contemporáneo será historia en el futuro, pero el modernismo se refiere al funcionalismo mínimo del siglo XX.
Los movimientos del diseño modernista ocurrieron secuencialmente durante el siglo XX. Cada una de ellos fue una reacción o rechazo a las características estéticas, políticas y de estilo de vida que la precedieron. He aquí un breve resumen de algunos de los movimientos de diseño importantes y mejor conocidos del Modernismo.

Breve historia y cronología previa al diseño contemporáneo.

Arts & Crafts. 1875-1915 El movimiento Arts & Crafts comenzó en Gran Bretaña como una reacción a los efectos deshumanizantes de la industrialización de finales del siglo XIX. El movimiento abrazó la artesanía y la integridad de las formas funcionales simples y evolucionó a través de la experiencia americana del período de la misión y de la escuela de la pradera de Frank Lloyd Wright.

Art Nouveau. 1880-1910 Sensuales, formas orgánicas, líneas de latigazo y exagerados adornos inspirados por la naturaleza caracterizaron este movimiento con influencia del arte de Japón.
Este nuevo ornamentalismo, el primer estilo popular del siglo XX, alcanzó su altura en los Estados Unidos con la sorprendente obra de cristal de Louis Tiffany.

Wiener Werkstatte. 1903-1933. El taller de Viena consistió en un centenar de artesanos que producían artesanías de metal hechas a mano en un “estilo reductivo” del minimalismo temprano. Su evolución a elementos floridos y orgánicos sugirió los orígenes de lo que pronto seguiría en el Movimiento Art Deco.

De Stijl. 1917-1928. De Stijl, holandés para “The Style”, formas geométricas rectilíneas y gruesas formaron un enfoque teórico sobre todo para el diseño de arquitectos y artistas que se centraron en la creación de un estilo universal en el diseño arquitectónico y las artes gráficas .

Escuela Bauhaus. 1919-1933. Fue en el núcleo del movimiento moderno y el diseño fundamentalista y la ética social de la “forma sigue a la función.” La ideología Bauhaus abrazó la noción de diseño directo, funcional y fue una extensión de los principios de las Arts & Crafts, excepto que abogó por la fabricación para las masas a través del uso de la fabricación de la máquina. La Bauhaus representaba la conexión crítica entre las artes decorativas y el diseño industrial y proyectaba su pathos en lo que se convertiría en los orígenes del moderno rascacielos de vidrio. Walter Gropius, fundador de la escuela, enseñó arquitectura en Harvard. Mies van der Rohe, considerado por muchos como el padre de la arquitectura moderna, fue un producto de la Bauhaus y quizás el arquitecto más importante de la era moderna, trabajó en Nueva York y finalmente en Chicago.

Estilo internacional. Los años 50 y 60 rechazaron la estética ecléctica del decó para las líneas rectas, la geometría sólida y los bordes quebradizos. El estilo internacional estaba representado por los techos planos y un enfoque “directo” del estilo inconsciente, caracterizado por ideales igualitarios y pluralistas.

Modernismo tardío. 1960’s 1983. Un período de “fast track” omnipresente modernidad de mega edificios de estilo minimalista y arquitectura de torres de oficina impersonales. Fue alimentado por el dinero de las empresas de Estados Unidos impulsado por una obsesión con la velocidad del overbuilding a expensas de la calidad del diseño. Era el producto de firmas de arquitectura “super-clasificadas” como Skidmore, Owens & Merrill y Johnson Burgee, quienes necesitaban mantener las máquinas de diseño alimentadas con miles de millones de dólares de proyectos de construcción. Los intentos de conciliar la escala, la velocidad y el aburrimiento se convirtieron en una vernácula del “esculturalismo” exagerado y articulado de “piel y huesos”. El fracaso del modernismo tardío se caracteriza por la atmósfera de supermercado de consumo de sus edificios como el Centro Pompidou en París.

Posmodernismo. 1977 a 1990. Respondiendo a la igualdad, la ausencia del individualismo, el humanismo y el sentido de singularidad de lugar, el posmodernismo emergió como un híbrido del modernismo y la referencia histórica. Reintroduciendo el ornamentalismo, el color y los elementos arquitectónicos tradicionales a menudo exagerados, los arquitectos de finales de los 70 y principios de los 80 desarrollaron un estilo más textural, interesante y humanista. Michael Graves, Robert AM Stern, Frank Gehry, Robert Venturi dirigen a una serie de otros talentosos diseñadores quienes rompieron la estética de la máquina para abrazar un estilo de referencia ecléctica histórica y de escala moderna. Fue una experiencia liberadora para los modernistas de mediados de siglo universalmente entrenados como discípulos miesianos.

Diseño contemporáneo. 2000- a la actualidad. Ahora liberado de las limitaciones del dogma moderno del funcionalismo y de la estética de la máquina, los diseñadores contemporáneos de hoy alcanzan una nueva perspectiva desde lo tech al estilo toscano. El diseño contemporáneo proviene de un espíritu de individualismo e influencias internacionales, desde Kenzo hasta Gehry. El contemporáneo es ecléctico, moderno, tradicional, expresional, urbano, ambiental, escultórico, cultural y global. Cruza los límites tradicionales del tiempo y del espacio. Se trata de un híbrido válido derivado de la “super-abundante” información disponible y las influencias de “The World Village”.