A finales del siglo XVIII y bien entrado el XIX, el romanticismo se extendió rápidamente por Europa y Estados Unidos para desafiar el ideal racional tan arraigado durante la Ilustración.
Los artistas románticos enfatizaron que los sentidos y las emociones, no simplemente la razón y el orden, eran medios igualmente importantes para comprender y experimentar el mundo. El arte romántico celebró la imaginación y la intuición individuales en la búsqueda perdurable de los derechos y la libertad individuales. Sus ideales de los poderes creativos y subjetivos del artista impulsaron los movimientos de vanguardia hasta bien entrado el siglo XX.
Los románticos encontraron sus voces en todos los géneros, incluida la literatura, la música, el arte y la arquitectura. Reaccionando contra el estilo sobrio del neoclasicismo preferido por las academias de la mayoría de los países, el romanticismo valoró la originalidad, la inspiración y la imaginación, promoviendo así una variedad de estilos dentro del movimiento. Además, en un esfuerzo por detener la ola de creciente industrialización, muchos de los románticos enfatizaron la conexión del individuo con la naturaleza y un pasado idealizado.
Ideas clave y logros del romanticismo
En parte estimulado por el idealismo de la Revolución Francesa, el romanticismo abrazó las luchas por la libertad y la igualdad y la promoción de la justicia. Los pintores comenzaron a usar eventos y atrocidades actuales para arrojar luz sobre las injusticias en composiciones dramáticas que rivalizaban con las pinturas históricas neoclásicas más serias aceptadas por las academias nacionales.
El romanticismo abrazó la individualidad y la subjetividad para contrarrestar la excesiva insistencia en el pensamiento lógico. Los artistas comenzaron a explorar varios estados emocionales y psicológicos, así como estados de ánimo. La preocupación por el héroe y el genio se tradujo en nuevas visiones del artista como un creador brillante que no estaba agobiado por los dictados y gustos académicos. Como lo describió el poeta francés Charles Baudelaire:
el romanticismo no se sitúa precisamente en la elección del tema ni en la verdad exacta, sino en una forma de sentir.
En muchos países, los pintores románticos centraron su atención en la naturaleza y la pintura al aire libre, o la pintura al aire libre. Las obras basadas en la observación cercana del paisaje, así como del cielo y la atmósfera, elevaron la pintura de paisajes a un nuevo nivel más respetuoso. Mientras que algunos artistas enfatizaron a los humanos como uno con la naturaleza y como parte de ella, otros retrataron el poder y la imprevisibilidad de la naturaleza, evocando una sensación de lo sublime, asombro mezclado con terror, en el espectador.
El romanticismo estuvo estrechamente relacionado con el surgimiento de un nacionalismo recién descubierto que se extendió por muchos países después de la Revolución Americana. Al enfatizar el folclore, las tradiciones y los paisajes locales, los románticos proporcionaron las imágenes visuales que estimularon aún más la identidad y el orgullo nacional. Los pintores románticos combinaron lo ideal con lo particular, impregnando sus pinturas con un llamado a la renovación espiritual que marcaría el comienzo de una era de libertad y libertades aún no vistas.
Las obras del romanticismo tienen características específicas como las temáticas nacionalistas, de naturaleza, los colores y el sentimiento es de tristeza, y relacionadas con hechos.
Ejemplos de obras destacadas del romanticismo
1. La pesadilla
La extraña y macabra pintura de Fuseli representa a una mujer violada, recostada en un diván con un pequeño y peludo íncubo sentado encima de ella, mirando de manera amenazante al espectador. Una misteriosa yegua negra con ojos blancos y fosas nasales dilatadas aparece detrás de ella, entrando en escena a través de exuberantes cortinas rojas. Parece que estamos viendo los efectos y el contenido del sueño de la mujer al mismo tiempo.
La espantosa escena de Fuseli fue la primera de su tipo en medio de La edad de la razón, y Fuseli se convirtió en una especie de figura de transición. Si bien Fuseli sostuvo muchos de los mismos principios que los neoclásicos (nótese la representación idealizada de la mujer) tenía la intención de explorar los oscuros rincones de la psicología humana cuando la mayoría estaba preocupada por la exploración científica del mundo objetivo. Cuando se mostró en 1782 en la exposición de la Royal Academy de Londres, la pintura sorprendió y asustó a los visitantes. A diferencia de las pinturas que el público estaba acostumbrado a ver, el tema de Fuseli no se extrajo de la historia ni de la Biblia, ni tenía ninguna intención moralizadora. Este nuevo tema tendría amplias repercusiones en el mundo del arte. Aunque la mujer está bañada por una luz brillante, la composición de Fuseli sugiere que la luz no puede penetrar en los reinos más oscuros de la mente humana.
La relación entre la yegua, el íncubo y la mujer queda sugerente y no explícita, aumentando las posibilidades aterradoras. La combinación de horror, sexualidad y muerte de Fuseli aseguró la notoriedad de la imagen como un ejemplo definitorio del horror gótico, que inspiró a escritores como Mary Shelly y Edgar Allan Poe.
2. El tres de mayo de 1808
Esta obra pionera representa la ejecución pública de varios españoles por parte de las tropas napoleónicas. A la izquierda, iluminado contra una colina, un hombre con una camisa blanca extiende los brazos mientras se arrodilla y se enfrenta al pelotón de fusilamiento. Varios hombres se agrupan a su alrededor con expresiones faciales y lenguaje corporal que expresan un tumulto de emociones. Varios de los muertos yacen en el suelo junto a ellos y, a su derecha, un grupo de personas, todos con el rostro entre las manos, sabiendo que serán los siguientes. A la derecha, el pelotón de fusilamiento apunta sus fusiles, formando una única masa sin rostro. Una gran linterna cuadrada se encuentra entre los dos grupos, dividiendo la escena entre los verdugos y las víctimas en la sombra.
La pintura se basa en los motivos religiosos tradicionales, ya que el hombre de la camisa blanca se asemeja a una figura de Cristo, con los brazos extendidos en forma de cruz, y un primer plano de sus manos revela una marca en su palma derecha como el estigmas. Sin embargo, la pintura es revolucionaria en su tratamiento poco heroico, la planitud de su perspectiva y sus pigmentos mate casi granulares. Además, su descripción de un evento contemporáneo experimentado por individuos comunes desafió las normas académicas que favorecían las viñetas neoclásicas atemporales. Goya pretendía tanto presenciar como conmemorar la resistencia española al ejército de Napoleón durante la Guerra de la Independencia de 1808-1814, una guerra marcada por una brutalidad extrema. El horizonte y el cielo oscuros de la pintura reflejan las primeras horas de la mañana en las que tuvieron lugar las ejecuciones, pero también transmiten una sensación de oscuridad abrumadora.
El historiador de arte Kenneth Clark lo describió como “el primer gran cuadro que puede llamarse revolucionario en todos los sentidos de la palabra, en estilo, tema e intención”. La pintura revolucionaria de Goya sería fundamental en el surgimiento de las francas representaciones de la vida cotidiana del realismo, de las declaraciones de Picasso contra los horrores de la guerra y de la exploración surrealista de temas oníricos.
3. Wanderer sobre un mar de niebla
En esta pintura, un hombre aristocrático sale a un peñasco rocoso mientras contempla el paisaje que tiene delante, de espaldas al espectador. De las nubes de niebla arremolinadas, se alzan altos pináculos de rocas, y un pico majestuoso a la izquierda y una formación rocosa a la derecha llenan el horizonte. Muchos de los paisajes de Friedrich representan una figura solitaria en un paisaje abrumador que representa a un héroe byroniano, mirando y dominando la vista.
Si bien Friedrich hizo bocetos al aire libre en las montañas de Sajonia y Bohemia en preparación para esta pintura, el paisaje es esencialmente imaginario, un compuesto de vistas específicas. El lugar del individuo en el mundo natural fue un tema permanente de los pintores románticos. Aquí, el vagabundo individual en lo alto de un precipicio contemplando el mundo ante él parece sugerir dominio sobre el paisaje, pero al mismo tiempo, la figura parece pequeña e insignificante en comparación con la sublime vista de las montañas y el cielo que se extiende ante él. Friedrich fue un maestro en presentar la sublimidad de la naturaleza en su infinita inmensidad y tempestad. Tras la contemplación, el mundo, en su niebla, finalmente permanece incognoscible.
4. La Balsa de la Medusa
Géricault retrata a los sobrevivientes desesperados de un naufragio después de semanas en el mar en una balsa sacudida por las olas bajo un cielo tormentoso. En la parte delantera de la balsa, un hombre negro ondea una camiseta tratando de abanderar un barco apenas visible en el horizonte, mientras que detrás de él otros luchan hacia adelante levantando los brazos con la esperanza de ser rescatados. En primer plano, un anciano desconsolado sostiene el cadáver desnudo de su hijo muerto, el cuerpo de un hombre cuelga de la balsa que se arrastra en el agua, y en el extremo izquierdo yace un cadáver parcial, cortado por la cintura.
La escena muestra a los sobrevivientes del naufragio del Medusa, una fragata de la Marina Real francesa enviada para colonizar Senegal en 1816. El barco encalló en un banco de arena y comenzó a hundirse, pero no había suficientes botes salvavidas. Algunos de los sobrevivientes construyeron una balsa improvisada para llegar a la costa africana, pero se perdieron rápidamente en el mar. Muchos murieron y otros recurrieron a la violencia y el canibalismo. El artista investigó durante meses, entrevistó y dibujó a los sobrevivientes, diseccionó cadáveres en su estudio y reclutó amigos para modelar, incluido el pintor Delacroix.
El uso de luces y sombras de Géricault, así como la organización de la escena en dos diagonales, crea una visión dramática e intensa. Comenzando con los cuerpos en la parte inferior izquierda, el espectador sigue los ojos y los gestos de los habitantes de la balsa hasta un hombre, llevado sobre los hombros de sus compañeros, agitando una tela, un signo de esperanza. Desde las sombras debajo de la vela, uno sigue otra diagonal hacia la parte inferior derecha para ver un cadáver, parcialmente amortajado, deslizándose de la balsa hacia el mar. Esta organización, unida al majestuoso y tormentoso cielo habla del gusto romántico por lo terrible y lo sublime.
Concebida como una crítica profunda de un sistema social y político al representar las trágicas consecuencias y el sufrimiento de los miembros marginales de la sociedad, la pintura es un ejemplo pionero de arte de protesta. El famoso crítico de arte del siglo XIX Jules Michelet (quien acuñó el término El Renacimiento) atribuyó una visión más amplia del tema de Géricault, sugiriendo que “toda nuestra sociedad está a bordo de la balsa de la Medusa”.
5. El carro de heno
Este paisaje rural representa un carro de heno, una especie de carreta, tirada por tres caballos que cruzan un río. En la orilla izquierda, una cabaña, conocida como Willy Lott’s Cottage por el arrendatario que vivía allí, se encuentra detrás de Flatford Mill, propiedad del padre de Constable. Constable conocía bien esta área de la campiña de Suffolk y dijo: “Debería pintar mejor mis propios lugares, pintar no es más que otra palabra para sentir”. Hizo innumerables bocetos al aire libre en los que participó en observaciones casi científicas del clima y los efectos de la luz.
En el paisaje de Constable, el hombre no se queda atrás y observa la naturaleza, sino que es íntimamente parte de la naturaleza, al igual que los árboles y los pájaros. La figura que conduce el carro no está fuera de escala con su entorno. Constable representó la unidad con la naturaleza que tantos poetas románticos declararon.
Constable encontró poca aclamación en su país de origen, Inglaterra, debido a su negativa a seguir un camino académico tradicional y su insistencia en perseguir el género más humilde: la pintura de paisajes. Los románticos franceses, sin embargo, lo aceptaron con entusiasmo tras ver esta obra en el Salón de París de 1824. Su capacidad para captar la forma fugaz de la atmósfera determina cómo vemos el paisaje inspiró a artistas como Eugène Delacroix. Si bien The Hay Wain puede no haber sido bien recibido por sus compatriotas en ese momento, en 2005 fue la segunda pintura más popular votada en Inglaterra.
6. Libertad guiando al pueblo
Esta famosa e influyente pintura representa el levantamiento de París en julio de 1830. Sin embargo, Delacroix no presenta un evento real sino una alegoría de la revolución. Una mujer con el torso desnudo, que representa la idea de la Libertad, lleva un gorro frigio, lleva una bayoneta en una mano y levanta la bandera tricolor en la otra, alentando a la multitud rebelde a avanzar en su camino hacia la victoria. Mientras que su figura y el vestido que cubre su cuerpo evocan el ideal clásico griego, Delacroix incluye el vello de sus axilas, sugiriendo una persona real y no solo un ideal.
Otros detalles contemporáneos y símbolos políticos se pueden encontrar en la representación de varias clases de la sociedad parisina. Un niño, con una boina que usan los estudiantes, lleva una cartuchera al hombro y sus pistolas de caballería, un trabajador de una fábrica blande un sable y viste pantalones de marinero con un delantal, y un hombre con el chaleco y el sombrero de copa de la sociedad urbana de moda es quizás un autorretrato de Delacroix. El hombre herido que se arrodilla a los pies de Liberty y mira a Liberty es un trabajador temporal parisino. Cada detalle de la imagen tiene un significado político, ya que la boina con un realista blanco y una cinta roja denota la facción liberal, y un pañuelo Cholet, símbolo de un líder realista, se usa para sujetar una pistola al abdomen de un hombre. El fondo derecho está relativamente vacío y, aunque las torres de Notre Dame sitúan la escena en París, partes del paisaje urbano son puramente imaginarias.
Delacroix dijo sobre la obra: “He abordado un tema moderno, una barricada, y aunque no haya luchado por mi país, al menos habré pintado para ella”. Él había sido testigo del hecho, describiendo: “Tres días entre disparos y balas, ya que había peleas por todas partes. Un simple paseante como yo corría el mismo riesgo de detener una bala que los héroes improvisados que avanzaban sobre el enemigo con piezas de hierro fijadas”. a palos de escoba”. Delacroix usó el arreglo piramidal dinámico, el claroscuro y el color para crear una escena de drama clamoroso que destaca el heroísmo, la muerte y el sufrimiento, temas por excelencia del movimiento romántico. La bohemia de Delacroix, su visión personal y su rechazo a las normas académicas, sellos distintivos de la actitud romántica, lo convirtieron en un modelo para muchos artistas modernos.
7. El Juramento de los Horacios
Un ejemplo de una obra de arte romántica que incorpora el nacionalismo y el folclore es “El Juramento de los Horacios” de Jacques-Louis David. Si bien David se asoció principalmente con el neoclasicismo, esta obra en particular muestra elementos del romanticismo y ejemplifica la fusión de temas históricos con sentimientos nacionalistas.
El Juramento de los Horacios, fue pintado en 1784 y representa una escena de la historia romana antigua. La pintura retrata a los hermanos Roman Horatii haciendo un juramento de lealtad y sacrificio antes de la batalla. La composición se caracteriza por figuras fuertes y heroicas y una sensación de tensión dramática.
En términos de nacionalismo, la pintura refleja el clima político de la época, con su énfasis en las virtudes patrióticas y el sacrificio por el bien de la nación. Fue creado durante un período de agitación política en Francia, y los temas del deber, el honor y el sacrificio de la pintura resonaron con los sentimientos patrióticos emergentes entre la población francesa.
Si bien la pintura se inspira en la antigua Roma, entreteje elementos del folclore y la identidad nacional. Las figuras de la pintura están representadas con atuendos romanos, pero también como ciudadanos franceses idealizados. La composición y el tema sirven para evocar un sentido de unidad y orgullo nacional, enfatizando los valores de lealtad, heroísmo y sacrificio por la nación.
El Juramento de los Horacios, se convirtió en una obra de arte icónica de la época, que simboliza los ideales del patriotismo y el deber cívico. Ejemplifica cómo el arte romántico podría incorporar narrativas históricas y folclore mientras expresaba sentimientos nacionalistas, contribuyendo a las aspiraciones culturales y políticas de la época.
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