En las bellas artes, el término ‘arte académico’ a veces llamado academicismo o eclecticismo, es usado para describir el estilo de la ‘verdadera vida, la alta pintura realista y la escultura defendida por las academias de arte europeas, en especial la notable Academia de Bellas Artes de Francia. Este estilo de arte que se consideraba oficial y que más adelante se asoció a la pintura neoclásica y en grado menor al movimiento simbolista, fue encarnado en un número de convenciones artísticas y fue seguido por todos los artistas.
En particular el academicismo o eclecticismo, tuvo un fuerte énfasis sobre el elemento intelectual combinado con un conjunto de elementos estéticos. Por sobre todas las cosas, las pinturas academicistas deben contener un mensaje noble, altruista.
Los artistas cuyos trabajos se han convertido rápidamente en ideales del academicismo, son: Peter-Paul Rubens (1577-1640), Nicolas Poussin (1594-1665), Jacques-Louis David (1748-1825), Jean-Antoine Gros (1771-1835), J.A.D. Ingres (1780-1867) Paul Delaroche (1797-1856), Ernest Meissonier (1815-91), Jean-Leon Gerome (1824-1904), Alexandre Cabanel (1823-89), Pierre Puvis de Chavannes (1824-98), Thomas Couture (1815-79), y William-Adolphe Bouguereau (1825-1905).
La historia de la academia francesa cuya formación sólo se ganó la aprobación oficial como medio de potenciar la autoridad política del Rey. Desde su fundación en 1648 la academia francesa impuso su autoridad en la enseñanza, la producción y exhibición de obras de arte, aunque más adelante fue cuestionada por otros movimientos como el fauvisimo.
Desde el siglo XIX artistas modernos como Gustave Courbet, Claude Monet, Vincent Van Gogh, y Pablo Picasso ignoraron los lineamientos de la academia francesa y revolucionaron la teoría y la práctica del arte.
Características del arte académico
1. Racionalidad
La Academia se esforzó en promover un estilo de “intelectual” del arte. En contraste, por ejemplo, al estilo “sensual” del rococó, el estilo “socialmente consciente” del realismo francés, el estilo “visual” del impresionismo o el estilo “emocional” del expresionismo. Consideró la técnica fina como una disciplina intelectual, que implica un alto grado de la razón, por lo tanto la “racionalidad” de una pintura era lo más importante. Tal racionalidad fue ejemplificada por el objeto de una obra, su uso de la alegoría clásica o religiosa, y / o por sus referencias a temas clásicos, históricos o alegóricos. La planificación cuidadosa – a través de esbozo preliminar o el uso de modelos de cera – también fue valorada.
2. Mensaje
Gran importancia se colocó en el “mensaje” de la pintura, que debe ser adecuadamente “edificante” y tienen un alto contenido moral. Este principio fue la base de la “Jerarquía de los Géneros” oficial, un sistema de clasificación anunció por primera vez en 1669, por el Secretario de la Academia Francesa. Los géneros se enumeran en el siguiente orden de importancia: (1) Historia de pintura; (2) el arte del retrato; (3) Pintura de género; (4) Paisajes; (5) Pintura de naturaleza muerta. La idea era que la pintura de historia eran las mejores plataformas desde las que comunicar mensajes infatuados. Una escena de batalla o una pieza de arte bíblico transmitirían un mensaje moral obvio (por ejemplo) el coraje o la espiritualidad, mientras que una imagen fija de vida de un jarrón de flores tendría problemas para hacer lo mismo. En la práctica, los artistas lograron inyectar contenido moral en todos los tipos de imágenes, incluyendo bodegones. Véase, por ejemplo, el género de la pintura de vanitas, dominado por Harmen van Steenwyck (1612 a 1656) y otros, que por lo general representa una matriz de objetos simbólicos, todos los cuales transmitió una serie de mensajes morales sobre la base de la futilidad de la vida sin Cristiano valores.
Además de los principios cristianos o cualidades humanísticas, se animó a los artistas académicos para comunicar una verdad eterna o ideal para el espectador. De ahí que algunos cuadros académicos no son más que simples alegorías con nombres como “Amanecer”, “noche”, “amistad” y así sucesivamente, en el que la esencia de estos ideales se materializa por una sola figura.
3. Otras convenciones artísticas
Con el tiempo las autoridades académicas construyen gradualmente una serie de reglas y convenciones pictóricas. He aquí una pequeña selección:
• Los artistas deberían utilizar el prototipo ‘idealizado’ en lugar de formas excesivamente realistas; por lo tanto el realismo – en la cara, el cuerpo o los detalles de las escenas, se desanimó. Irónicamente, Ingres, el decano de la Academia, fue criticado por la longitud anormal de la espalda del modelo en La Gran Odalisca (1814, Louvre).
• Los cuadros de historia deberían representar personas en traje histórico. Por ejemplo, Benjamin West (1738-1820) causó un escándalo con La muerte de general Wolfe (1770, National Gallery of Art, de Ottawa), que fue la primera gran pintura de historia que cuenta con traje contemporáneo.
• Las reglas complejas rigen el uso de la perspectiva lineal y escorzo, de acuerdo con la teoría renacentista. Así mismo en la forma en la luz fue manejado, y en materia de claroscuro.
• Los colores brillantes deben utilizarse con moderación. El debate sobre el significado del color retumbó en la Academia durante más de dos siglos: ver el papel de Rubens y Delacroix, como se indica a continuación.
• Color debe ser naturalista: la hierba debe ser verde, y así sucesivamente. Esto por sí solo descalificado impresionistas y neoimpresionistas de aprobación académica.
• La superficie de la pintura debe ser suave, sin rastro de pinceladas. Impasto estaba fuera, la pincelada expresiva estaba fuera: la Academia insistió en acabado pulido.
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