Desde las hazañas de Aquiles y Ulises, hasta los tratados de Aristóteles, desde las rigurosas medidas del Partenón hasta el caos rítmico de Laocoonte la antigua cultura griega ha dado forma a nuestro mundo. Gracias en gran parte a sitios arqueológicos notables, fuentes literarias bien conocidas y el impacto de Hollywood (Choque de titanes, por ejemplo) esta civilización está incrustada en nuestra conciencia colectiva, lo que provoca visiones de batallas épicas, filósofos eruditos, templos blancos relucientes, y desnudos sin miembros (ahora sabemos que las esculturas —incluso las que decoraban templos como El Partenón— estaban pintadas con colores brillantes y, por supuesto, el hecho de que a las figuras a menudo les falten miembros es el resultado de los estragos de los ladrones como algunos expedicionarios).
El arte de la antigua Grecia ha ejercido una enorme influencia en la cultura de muchos países desde la antigüedad hasta el presente, en particular en los ámbitos de la escultura y la arquitectura. En Occidente, el arte del Imperio Romano derivó en gran parte de modelos griegos. En Oriente, las conquistas de Alejandro Magno iniciaron varios siglos de intercambio entre las culturas de Asia y de la India, Grecia central, resultando en el arte greco-budista, con ramificaciones hasta Japón. Tras el Renacimiento en Europa, el humanismo estético y los altos estándares técnicos del arte griego inspiraron a generaciones de artistas europeos. Hasta bien entrado el siglo XIX, la tradición clásica proveniente de Grecia dominó el arte del mundo occidental.
Períodos del arte griego
El arte de la Antigua Grecia se divide estilísticamente en cuatro períodos: la geométrica, el arcaico, el clásico y el helenístico.
Como se señaló anteriormente, la edad geométrica data de alrededor de 1000 a.C., aunque, en realidad, poco se sabe sobre el arte en Grecia durante los 200 años precedentes conocido como la Edad Media) el período del siglo séptimo antes de Cristo atestiguó el lento desarrollo del estilo Arcaico según lo ejemplificado por el estilo negro-figura de la pintura de los vasos. El inicio de las guerras persas (480 a.C. a 448 a.C.) se toma generalmente como la línea divisoria entre el los períodos clásico y arcaico, y el reinado de Alejandro Magno (336 a.C. a 323 a.C.) es tomado como la separación de la Clásica de la períodos helenísticos.
En realidad, no había brusca transición de una época a otra. Las formas de arte se desarrollaban a diferentes velocidades en diferentes partes del mundo griego, y como en cualquier época algunos artistas trabajaron en los estilos más innovadores que otros. Fuertes tradiciones locales, de carácter conservador, y las exigencias de los cultos locales, permiten a los historiadores localizar los orígenes, incluso de obras de arte desplazados.
Cerámica griega
Los antiguos griegos hacían cerámica para uso diario, no para exhibición; los trofeos ganados en juegos, como el Panathinaic Amphorae (decantadores de vino) son la excepción. La mayor parte de la alfarería que sobrevive consiste en vasos para beber como ánforas, kraters (cuencos para mezclar vino y agua) hydria (jarras de agua), cuencos de libación, jarras y tazas. También se han encontrado urnas funerarias pintadas. Las miniaturas también se produjeron en grandes cantidades, principalmente para su uso como ofrendas en los templos. En el período helenístico se produjo una gama más amplia de cerámica, pero la mayor parte tiene poca importancia artística.
Al final de la fase geométrica, la fase de orientalización de la pintura de vasijas, los diseños geométricos abstractos fueron reemplazados por formas más redondeadas y realistas de motivos orientales, como el loto, la palmeta, el león y la esfinge. El ornamento aumentó en cantidad y complejidad.
En períodos anteriores, incluso las ciudades griegas bastante pequeñas producían cerámica para su propio lugar. Estos variaban ampliamente en estilo y estándares. En algunas de las islas del Egeo, en Creta y en las ricas colonias griegas del sur de Italia y Sicilia se produjo una cerámica distintiva que se considera arte. Sin embargo, hacia el período Arcaico tardío y el Clásico temprano, las dos grandes potencias comerciales, Corinto y Atenas, llegaron a dominar. Su cerámica se exportó a todo el mundo griego, eliminando las variedades locales. Las vasijas de Corinto y Atenas se encuentran tan lejos como España y Ucrania, y son tan comunes en Italia que fueron recolectadas por primera vez en el siglo XVIII como “vasijas etruscas”. Muchas de estas ollas son productos de producción masiva de baja calidad. De hecho, en el siglo V a. C., la cerámica se había convertido en una industria y la pintura de cerámica dejó de ser una forma de arte importante.
Durante los períodos protogeométrico y geométrico, la cerámica griega estaba decorada con diseños abstractos. En períodos posteriores, a medida que la estética cambió y la competencia técnica de los alfareros mejoró, las decoraciones tomaron la forma de figuras humanas, generalmente representando a los dioses o héroes de la historia y la mitología griegas. Las escenas de batalla y caza también fueron populares, ya que permitían la representación del caballo, que los griegos tenían en alta estima. En períodos posteriores, los temas eróticos, tanto heterosexuales como homosexuales masculinos, se hicieron comunes.
La cerámica griega suele estar firmada, a veces por el alfarero o el maestro de la alfarería, pero sólo ocasionalmente por el pintor. Cientos de pintores son, sin embargo, identificables por sus personalidades artísticas: cuando sus firmas no han sobrevivido, reciben el nombre de “el pintor de Aquiles”, por el alfarero para el que trabajaron, como el pintor de Cleofrades tardío. “, o incluso por sus ubicaciones modernas, como el” Pintor de Berlín “arcaico tardío.
Terracota
La arcilla es un material de uso frecuente para la fabricación de estatuillas votivas o ídolos, desde la civilización minoica hasta la época helenística. Durante el siglo VIII a. C., en Beocia, se encuentran “Bell Idols” fabricados, estatuillas femeninas con piernas móviles: la cabeza, pequeña en comparación con el resto del cuerpo, está encaramada al final de un cuello largo, mientras que el cuerpo está muy lleno, en forma de campana. A principios del siglo VIII a. C., las tumbas conocidas como “héroes” reciben cientos, incluso miles de figurillas pequeñas, con una figuración rudimentaria, que generalmente representan personajes con los brazos en alto, es decir, dioses en apoteosis.
En épocas posteriores las figurillas de terracota pierden su carácter religioso, representando a partir de entonces personajes de la vida cotidiana. Con los siglos IV y III a. C., las figurillas conocidas como Tanagra muestran un arte refinado. Al mismo tiempo, ciudades como Alejandría, Esmirna o Tarso produjeron una gran cantidad de figurillas grotescas, que representaban a individuos con miembros deformados, ojos saltones y contorsionados. Estas figurillas también fueron hechas de bronce. Sin embargo, la terracota rara vez se utilizó para estatuas grandes. La excepción más conocida a esto es una estatua de Zeus que lleva a Ganímedes al Olimpo, ejecutada alrededor del 470 a. C. En este caso, se pinta la terracota.
Escultura griega
La escultura griega es vastísima y es uno de los mejores testimonios históricos que se tienen de la época; de sus líderes y los órdenes griegos. El estudio de la escultura griega se divide en el período arcaico que son los primeros siglos de la cultura griega, el período clásico que es el de mayor producción de obras y el período helenístico que aumentó la escala de las obras y que perfeccionó el arte griego.
Escultura griega arcaica
Se inspiraban en las esculturas de piedra de la Mesopotamia. Más adelante influiría el renacimiento italiano. Las esculturas eran de figuras frontales, estilizadas y respetando las proporciones del cuerpo humano. La escultura griega arcaica eran esculturas que representaban un desnudo masculino de pie. Las esculturas del período arcaico se usaban para ofrendas en templos, oráculos y santuarios. Buscaban reproducir ideales de piedad y belleza.
Escultura griega clásica
Se construyeron los grandes templos que requerían esculturas en relieve para frisos. En la escultura griega del período clásico proliferaron las estatuas de mujeres desnudas, y personas reales, familias griegas, muchas de ellas de gran tamaño y magnificencia. Los escultores como Fidias cobraron relevancia con nombre propio.
Escultura griega helénica
La escultura se volvió cada vez más naturalista; escenas domésticas, gente común eran obras
que se hacían para familias adineradas. Retratos realistas de varones, y ya en el período helénico, las esculturas se representaban sin tantos ideales de perfección. Se estandarizó e industrializó la producción de esculturas y cerámicas para abastecer a nuevas ciudades griegas.
Arquitectura griega
La mayoría de los edificios griegos de los períodos arcaico y clásico temprano estaban hechos de madera o adobe, no queda nada de ellos excepto algunos planos de planta, y casi no hay fuentes escritas sobre la arquitectura temprana o descripciones de edificios. La mayor parte de nuestro conocimiento de la arquitectura griega proviene de los pocos edificios supervivientes de los períodos clásico, helenístico y romano (ya que la arquitectura romana copió en gran medida el griego) y de fuentes escritas tardías como Vitruvio (siglo I d.C.). Leer más sobre arquitectura griega.
Diseño de monedas
Los diseñadores griegos comenzaron la práctica de poner un retrato de perfil en el anverso de las monedas. Este fue inicialmente un retrato simbólico del dios patrón o diosa de la ciudad que emitía la moneda: Atenea para Atenas, Apolo en Corinto, Deméter en Tebas, etc. La colocación de inscripciones en monedas también comenzó en la época griega. Todas estas costumbres fueron posteriormente refinadas y desarrolladas por los romanos.
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