El arte barroco fue promovido por la Iglesia católica a partir del Concilio de Trento (1545-1563) por el cual el papado decidió que las artes debían comunicar temas religiosos transmitiendo emociones y sensaciones, en parte en respuesta a la Reforma Protestante.
Las pinturas y esculturas para las iglesias debían hablar a los iletrados, más que a los ilustrados. Esta fue la inspiración para el comienzo del arte barroco que surgió una generación más tarde.
El arte barroco para muchos se tornó en una concepción populista de la función del arte eclesiástico visto por muchos historiadores en las innovaciones de Caravaggio y los hermanos Caracci quienes trabajaban en Roma cerca del 1600.
Las maravillosas construcciones barrocas sirvieron como demostración de poder y autoridad de las monarquías absolutistas que imperaban en la época.
Los artistas se volvieron versátiles utilizando diferentes enfoques artísticos para varios grupos de patrones. Todo esto conduce a demandar al artista a especializarse, no para el hombre universal del Renacimiento sino concentrarse en el medio particular.
El artista básicamente trabajaba para un patrón por vez, un individuo, en vez de un corte completa. El patrón tenía control sobre el artista en la primera mitad del siglo 17. Había la mitad del siglo 17 en adelante, hubo una disolución en la relación artista/patrón que estimuló oficios relacionados como el distribuidor de arte, el crítico de arte y el subastador de arte. En esencia estos son los comienzos de la organización del arte moderno.
La comprensión de las diversas formas de arte barroco requiere el conocimiento de su contexto histórico. Hacia el siglo 17, la conciencia humana del mundo estaba en continua expansión. Muchos descubrimientos científicos influenciaron el arte; las investigaciones de Galileo Galilei sobre los planetas, por ejemplo, se representan con una precisión astronómica en muchas pinturas de la época. La afirmación del astrónomo polaco Copérnico de que los planetas no giran alrededor de la Tierra, publicados en 1543 fueron sólo aceptados después de 1600.
La idea de que la Tierra no era el centro del universo coincidió en el arte con el aumento de la pintura de paisaje carente de figuras humanas.
La religión determinó muchos aspectos del arte barroco. La iglesia católica romana fue un mecenas de gran influencia, y su contrarreforma, un movimiento para combatir la propagación del protestantismo, empleó el arte emocional, realista y dramático como medio para propagar la fe.
La simplicidad buscada por el protestantismo en países como los Países Bajos y el norte de Alemania así mismo explica la gravedad de los estilos arquitectónicos en esas áreas.
Las monarquías y el arte barroco
Las situaciones políticas también influyeron en el arte. Las monarquías absolutas de Francia y España llevaron a la creación de obras que reflejaban en su tamaño y esplendor de la majestad de sus reyes, Luis XIV y Felipe IV. Los monarcas de España, Portugal y Francia también abrazaron los elementos más ornamentados de arte del siglo XVII para celebrar el catolicismo. En España y sus colonias, los gobernantes invirtieron enormes recursos en fachadas elaboradas de iglesias, capillas, y tabernáculos cubiertos de oro impresionantes, y la escultura policromada sorprendentemente realista. En los Países Bajos españoles, donde el arte sagrado había sufrido terriblemente como resultado de la iconoclastia protestante (la destrucción del arte) los líderes cívicos y religiosos priorizan el adorno de las iglesias.
El mobiliario de los altares de las iglesias de Amberes mantiene el taller de Peter Paul Rubens ocupado durante muchos años. Los monarcas de Europa también adoptaron este vocabulario artístico para proclamar su propio poder y estatus. Luis XIV, por ejemplo, decoró los espléndidos edificios y jardines de Versalles como una expresión visual de su derecho divino a gobernar.
Los estilos barrocos tempranos
Las raíces de los estilos barrocos se encuentran en el arte de Italia, y especialmente de Roma del siglo 16. Un deseo de una mayor claridad y simplificación inspiró una serie de artistas quienes reaccionaron contra el estilo manierista anticlásico, con énfasis subjetivo en la distorsión, la asimetría, yuxtaposiciones extrañas y colores chillones. Anibal Carracci y Miguel Ángel Merisi, llamado Caravaggio, fueron los dos artistas en la vanguardia barroca. El arte de Caravaggio está influido por el naturalismo, el gran humanismo de Miguel Ángel y el Alto Renacimiento. Sus cuadros suelen incluir temas extraídos de la vida cotidiana dedicados a actividades completamente creíbles, así como representaciones heroicas y tiernas de temas religiosos y mitológicos. La escuela que se desarrolló alrededor de Carracci, por su parte, trató de deshacerse de complicaciones volviendo a los principios Alto Renacimiento de claridad, monumentalidad y equilibrio. Este clasicismo barroco siguió siendo importante a lo largo del siglo. Un tercer estilo barroco se desarrolló en Roma alrededor de 1630, el llamado ‘Alto barroco’; en general se considera el modo más característico del arte del siglo 17, con su exuberancia, la emotividad, la teatralidad y una energía sin límites.
El barroco en los países protestantes
En los países protestantes, y en especial en la actual Holanda, el clima artístico cambió radicalmente a raíz de la Reforma. Dos de las fuentes más ricas de patronazgo eran la monarquía y la Iglesia ya no estaban. En su lugar surgió una clase media cada vez más próspera deseosos de expresar su estado, y su nuevo orgullo nacional, a través de la compra de arte.
A mediados del siglo 17 un nuevo mercado había surgido para satisfacer los gustos artísticos de esta clase. La demanda era ahora para pinturas de menor escala adecuadas para su exhibición en casas particulares. Estas pinturas incluyen temas religiosos para la contemplación privada, como se ve en las pinturas y grabados de narraciones bíblicas conmovedoras de Rembrandt, así como retratos que documentan personas anónimas.
El mayor cambio fue el aumento de la popularidad de los paisajes, naturalezas muertas y escenas de la vida cotidiana (conocida como la pintura de género). De hecho, la proliferación de los géneros artísticos independientes fue una de las contribuciones más importantes del siglo 17 a la historia del arte occidental.
Los artistas protestantes revelaron un gran interés en replicar lo observado en la realidad, ya sea la luz en el paisaje holandés, la expresión momentánea en una cara, o las variadas texturas y materiales de los objetos que los holandeses recogieron ya que cosecharon los beneficios de su expansión imperio mercantil.
En el contexto de la historia europea, el período comprendido entre c. 1585 a c. 1700/1730 a menudo se llama la época barroca. La palabra “barroco” se deriva de las palabras portuguesas y españolas una perla grande, de forma irregular (“barroco” y “barrueco”, respectivamente). Se cree que los primeros críticos le pusieron ese nombre de forma peyorativa al arte barroco por las obras de Pietro da Cortona, Bernini por lo imperfecto de sus construcciones.
A mediados del siglo 19, la palabra barroco había perdido sus implicaciones peyorativas y fue utilizado para describir las cualidades ornamentales y complejas presentes en muchos ejemplos de siglo 17 el arte, la música y la literatura. Con el tiempo, el término vino a designar el período histórico en su conjunto.
En el contexto de la pintura, por ejemplo, el marcado realismo de retablos de Zurbaran, la intimidad tranquila de interiores domésticos de Vermeer y el clasicismo de los paisajes de Poussin son todos “barroco” (ahora con un capital “B” para indicar el período histórico) , independientemente de la ausencia de los rasgos estilísticos originalmente asociado con el término.
Los estudiosos siguen debatiendo la validez de esta etiqueta, admitiendo la utilidad de contar con una etiqueta para este período histórico distinto, mientras que también reconoce sus limitaciones en la caracterización de la variedad de estilos artísticos presentes en el siglo 17.
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