En Italia hacia fines del siglo XVI, la pintura, la escultura y la arquitectura evolucionaron del manierismo al estilo barroco temprano. En el siglo XVII, la ciudad de Roma se convirtió en la capital católica de Europa y el triunfo se expresó en todas las artes. Arquitectos barrocos, artistas y urbanistas magnificaban y vigorizaban las tradiciones clásicas y eclesiásticas de la ciudad que se convirtió durante siglos en la capital del mundo del arte europeo, no sólo un foco para los turistas y los artistas, sino también un punto de inflexión y de inspiración a lo largo el mundo occidental.
Urbanismo y arquitectura
Aunque Roma ganó en magníficos edificios y monumentos durante el Renacimiento, también sufrió los ataques de los teólogos de la Reforma y ejércitos invasores. Roma también albergaba los principales centros de peregrinación religiosa y mantenía los restos de la Roma Imperial. El sistema de calles construido al azar impedía la circulación de espectadores a sus monumentos. Para remediar esta situación, el Papa Sixto V (Felice Peretti, 1585-1590) promovió su visión de “Roma in forma sideris”, es decir, Roma en la forma de una estrella.
Se involucró Domenico Fontana (1543 hasta 1607) y otros planificadores urbanos para diseñar amplias avenidas que unen las grandes basílicas, como Santa María la Mayor y San Juan de Letrán, con otros puntos estratégicos de la ciudad.
Las rutas emanaron como los rayos de una estrella desde las plazas marcadas con obeliscos egipcios que llevaron a Roma a los tiempos antiguos.
Hoy el papado controla sólo la Ciudad del Vaticano, pero su dominio en otros tiempos no era tan restringido y el patrocinio papal transformó toda la ciudad. Tres papas energéticos, Urbano VIII (Maffeo Barberini, 1623-1644), Inocencio X (GB Pamphilj, 1644-1655.), Y Alejandro VII (Fabio Chigi, 1655/67) pagaban los talentos versátiles de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) Francesco Borromini (1599-1667) y Pietro da Cortona (1596-1669) con encargos de obras destinadas a monumentalizar y embellecer áreas por toda Roma.
Bernini ejecutó varios proyectos en la Basílica de San Pedro, el centro de la autoridad papal: creó el baldaquino de bronce magnífico (canopy) sobre el altar mayor de Urbano VIII, y por Alejandro VII diseñó el adorno escultórico de la silla de Pedro en la ábside y las columnatas redondas panorámicas que enmarcan la fachada. Cerca de allí, Bernini diseñó el Ponte Sant’Angelo, un puente sobre el Tíber adornado con ángeles que llevan los instrumentos de la pasión de Cristo, que facilitó el movimiento entre el Vaticano y la zona comercial importante a través del río.
Todos los papas utilizaron la residencia oficial en el Vaticano, pero también prodigó atención en sus propios palacios en otras partes de la ciudad. Inocencio X, por ejemplo, desarrolló la Piazza Navona, la puesta en Borromini diseñar fachadas de la Iglesia de Santa Inés en Agone y de su palacio al lado, y la participación de Bernini para crear la espectacular Fuente de los Cuatro Ríos, cuyo chorros de agua, su colosal escultura y junto con el obelisco forman la pieza central de la plaza.
La introducción de fuentes y escaleras monumentales a lo largo del diseño urbano inducen a los peatones no sólo a moverse fácilmente de un lugar a otro, sino también a quedarse en espacios de transición hermosos. Un buen ejemplo la Piazza di Spagna con un sistema simétrico y escaleras curvas que conectan dos barrios antiguamente divididos por una colina empinada. El elegante diseño de Francesco de Sanctis se completó en 1726.
Pintura barroca italiana
Algunos de los primeros y más influyentes artistas de emprender una reforma sistemática del estilo manierista fueron los Carracci.
Annibal, su hermano Agostino y su primo Ludovico eran artistas boloñeses que tuvieron un enorme impacto en el arte barroco en Roma. Aníbal llegó allí en 1595. Después de haberse hecho famoso por sus frescos en Bologna, fue el encargado de ejecutar los frescos del cielo raso (1597 – 1600) de la Galería del Palacio Farnesio de Roma, su obra más importante y un monumento clave en el desarrollo del barroco clásica o ideal. El arte barroco apeló a artistas como Guido Reni, Domenico Zampieri, llamado Domenichino y Francesco Albani, que fueron entrenados por los Carracci en su taller en Bologna.
Otros clásicos barrocos, como los pintores franceses Nicolas Poussin y Claude Lorrain, llegaron del extranjero para trabajar en Roma.
Otro artista precursor del barroco en Roma fue Caravaggio, quien se convirtió en el principal rival de Annibal Carracci. Obras como El Llamado y el Martirio de San Mateo (1599 -1600, San Luis de los Franceses, Roma) encontraron cálida acogida y Caravaggio llegó a ser el guía de toda una escuela de naturalistas barrocos. El naturalismo se extendió por toda Italia en las dos primeras décadas del siglo 17 a través de pintores nativos como Orazio Gentileschi y hija Artemisia, Bartolomeo Manfredi y Caracciolo, llamado Battistello, y más tarde por los extranjeros que trabajan en Italia, entre ellos el pintor francés Valentin de Boulogne, Gerrit van Honthorst de los Países Bajos y el español José de Ribera.
Aunque de menor importancia en Italia después de 1630, el naturalismo barroco sigue teniendo un enorme impacto durante el resto del siglo en todas partes de Europa.
Otro punto de inflexión en la historia de la pintura barroca tuvo lugar a finales de 1620. Muchos artistas intentaron introducir una mayor vivacidad y el drama en sus trabajos para crear ilusiones de espacio ilimitado (ilusionismo). Desde 1625 hasta 1627 Giovanni Lanfranco pintó la enorme cúpula de la iglesia de Sant ‘Andrea della Valle en Roma con su Asunción de la Virgen. Aunque este fresco se inspiró en techos renacentistas de Correggio en Parma, prácticamente abrumó a los espectadores contemporáneos con sus efectos ilusionistas exuberantes y se convirtió en una de las primeras grandes obras maestras barrocas.
El trabajo de Lanfranco en Roma (1613-1630) y en Nápoles (1634-1646) fue fundamental para el desarrollo de ilusionismo en Italia.
El fresco ilusionistad era un medio particularmente importante para grandes pintores barrocos. Pietro Berrettini, llamado Pietro da Cortona, ha desarrollado a un grado extraordinario obras como el techo del Salón del Gran Palacio Barberini de Roma (1633-1639).
Desde 1676 hasta 1679 Giovanni Battista Gaulli, también llamado Baciccio, pintó adoración del nombre de Jesús en el techo de la Iglesia del Gesú en Roma.
Desde 1691 hasta 1,694 mil Andrea Pozzo pintó La entrada de San Ignacio en el Paraíso para el techo de San Ignazio en Roma, con la misma teatralidad, drama y emoción que había caracterizado alta pintura barroca durante todo el siglo.
Escultura barroca italiana
El anti Manierismo en la escultura italiana es visto por primera vez en Santa Cecilia (1600, Santa Cecilia in Trastevere, Roma) por Stefano Maderno. Sus sencillas líneas curvas representan una salida dramática de las contorsiones más pronunciados de obras anteriores. Fue Gianlorenzo Bernini, sin embargo, que dominó la escultura barroca en Roma. Entre sus principios sobre-tamaño natural esculturas de grupo, El Rapto de Proserpina (1621-1622) y Apolo y Dafne (1622-1624, ambos Galleria Borghese, Roma) muestran su virtuosismo en el manejo de mármol, creando efectos de realista tensión dramática, fuertes contrastes de luz y oscuridad, y la ilusión de colores abigarrados.
Su Éxtasis de Santa Teresa (1645-1652, Cornaro Capilla, Santa Maria della Vittoria, Roma) personifica la teatralidad muy cargado que es una característica del barroco. Bernini fue el artista favorito de los papas, para quien hizo obras muy ambiciosos en el Vaticano. La enorme baldaquino, un pabellón con pilares (1624-1633), por encima del altar mayor de la iglesia de San Pedro, así como la Cátedra Petri (Cátedral de San Pedro, 1657 hasta 1666) en el ábside de la iglesia, dan fe de su tamaño colosal y los materiales preciosos (incluyendo mármol y bronce dorado) para el suntuoso esplendor del catolicismo romano. Bernini también destacó en el retrato, como puede verse en ejemplos como Costanza Buonarelli (1635, Bargello, Florencia) y el Papa Inocencio X (1647, Palazzo Doria-Pamphili, Roma). Su único rival en este género fue el escultor Alessandro Algardi.
Fuentes fueron algunos de los principales tipos de monumentos públicos barrocos, y aquellos por Bernini son algunos de los ejemplos más destacados. Bernini fue también un importante e influyente arquitecto; además de la gran columnata (comenzada 1656) que abarca la Plaza de San Pedro, diseñó iglesias como Sant ‘Andrea al Quirinale (1658-1670) en Roma.
El barroco italiano en arquitectura
Entre los primeros grandes arquitectos del barroco temprano fue Carlo Maderno, quien es conocido principalmente por su trabajo en San Pedro. Entre 1606 y 1612 se construyó la extensión y la fachada de la nave de esta estructura, que se inició alrededor de 100 años antes por Donato Bramante. Aparte de Bernini, los principales arquitectos del barroco romano eran Francesco Borromini y, en menor medida, Carlo Rainaldi. Juntos diseñaron Sant ‘Agnese (comenzado 1652), en la Piazza Navona. La fachada elegantemente ondulante de Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane de Borromini (1665-1667) en Roma, con sus ritmos convexas y cóncavas resonaban los del interior, que se podría llamar la quintaesencia de la arquitectura barroca italiana.
La actividad de construcción también se produjo en centros de fuera de Roma durante las primeras décadas del siglo 17. Francesco Maria Ricchino, en Milán, y Baldassare Longhena, en Venecia, ambas iglesias de diseño de planta central.
Santa Maria della Salute de Longhena (comenzada en 1631) ha destacado por su extravagante ornamentación exterior y su sitio excelente en la entrada del Gran Canal. Especialmente teatral es la obra de Guarino Guarini en Turín. Su Cappella della de Santa Sindone (Capilla de la Sábana Santa, 1667-1694) sorprende al observador con sus formas geométricas complejas derivadas de los edificios islámicos en la inusualmente cúpula elevada.
Pintura y artes decorativas
La concentración de clientes dispuestos en Roma atrajo a artistas de toda Europa, y los pintores continuaron discutiendo la primacía de la técnica basada alternativamente en el dibujo (disegno) o coloración (colorito). Entre los artistas aclamados para conciliar los dos enfoques fue Annibal Carracci, nacido en Bologna (1560-1609), que aplica sus dotes como dibujante y colorista tanto al género emergente de paisaje, así como temas religiosos tradicionales. La obra de Carraci, la Coronación de la Virgen por ejemplo, combina un esquema compositivo derivado de Miguel Ángel con una iluminación sutil en el espíritu de Tiziano. En un famoso debate público, probablemente, llevado a cabo en 1636, Andrea Sacchi (desde 1599 hasta 1661), su ‘Marcantonio Pasqualini Coronado por Apolo’ muestra su confianza en el dibujo, hizo afirmaciones para composiciones con pocas figuras y contornos puros.
Por su parte Pietro da Cortona se opuso, abogando en su lugar grandes conjuntos de figuras y pinceladas más libres. La influencia de Sacchi es visible en la obra del pintor francés Nicolas Poussin (1594-1665), que hizo su carrera en Roma, pintando escenas de la historia bíblica y clásica; en su rapto de las sabinas utiliza colores vivos, contornos afilados y figuras derivadas de la escultura greco-romana, toda característica de su arte.
La teatralidad exuberante de proyectos del siglo XVII a escala urbana también anima ejemplos más pequeños de la escultura y las artes decorativas. El Bacanal de los comienzos de Bernini incluye figuras de torsión característica que plantea en una composición diferente de todo punto de vista. La Pila de agua bendita de Giovanni Giardini representa Santa María de Egipto en un panel de plata cóncava enmarcada en lapislázuli, y el trabajo de Michele Todini, El Clavecín, llevado por tritones de madera dorada se concibe como la pieza central de un concurso musical mítico.
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